Resolución - Residencias escénicas 2020-2021
*MUCHAS GRACIAS A TODAS Y TODOS POR PARTICIPAR*
1. Paz Rojo y Norberto Llopis, con el proyecto La Residencia de la Residencia
2. Oihana Altube y Javier Vaquero, con el proyecto ARIMA
Oihana es bailarina, a lo largo de los años se ha ido decantando por proyectos que le han permitido estar en procesos de profundo cuestionamiento en torno a las construcciones (históricas, políticas, filosóficas, psíquicas y artísticas) sensorio-motrices del bailar. Su trabajo está influenciado por las diversas aproximaciones prácticas “Historia hegemónica de la Danza”, el psicoanálisis relacional, el trans-feminismo, la Danza Movimiento Terapia y el Body Mind Centering.
ARIMA
ARIMA es una investigación/práctica en danza que gira alrededor de las potencias de la sensorialidad y la percepción en el bailar. ARIMA se sustenta en la hipótesis de que focalizandonos en los fenómenos perceptivos y sensitivos se pueden desestabilizar y re-significar los patrones introyectados, heredados y aprendidos en torno al bailar y generar una relación más singular, erótica y espiritual con todo ello. ARIMA se desarrolla en base a cuatro sensibilidades interconectadas: La espiritualidad y erótica de la kinestesia en el bailar / Bailar como medio para honrar y agradecer la materialidad existente que “me antecede y se ofrece entera” / La expresividad-vitalidad de lo transpersonal (lo pre-identitario, el pre-sujeto) en el bailar/ La invocación de los sentimientos, huellas, formas y afectos de la propia “Historia vivida de la Danza”.
3. Arnau Pérez de la Fuente, con el proyecto LP
Graduado en el Conservatorio Superior de Danza de Madrid, Arnau Pérez de la Fuente desarrolla su lenguaje coreográfico a través de la danza contemporánea con ciertas influencias y dinámicas de danza urbana. Ha obtenido galardones como el de Mejor Coreografía en el 24 Masdanza y el Premio del Público, Jurado Joven e Intérprete destacado en el Certamen Coreográfico de Madrid. Colabora como bailarín en diversos proyectos y ha coreografiado para compañías como Company E (Washington D.C.).
LP
Un LP, del inglés Long Play, es un disco de vinilo, en el cual se puede grabar, en formato analógico, un máximo de unos 20 a 25 minutos de sonido por cada cara. En este formato físicamente limitado, el artista atrapa todo un imaginario para transmitirlo a través de vibraciones y ondas dinámicas en el espacio, y así compartirlas con la audiencia. Es la forma de producir todo un universo individual que al moverse se convierte en colectivo.
Bajo la noción de formato, LP se pregunta sobre los límites, tanto del producto artístico y la industria cultural que lo envuelve, así como de los materiales que lo componen. Una de las cuestiones principales que aborda es el concepto de “Trap/ trampa”, como medio expresivo y como acción poética a través del cuerpo. El acto de atrapar planteado como lugar físico y psicológico donde los límites se relativizan y la acción personal toma su propia inercia en una lucha de opuestos.
4. Silvia Zayas y Luz Prado, con el proyecto SO FAR
Silvia Zayas (León, 1978). Trabaja entre los límites de las artes escénicas, el cine y la coreografía expandida. Investiga principalmente formas de traducir el lenguaje fílmico a diferentes dispositivos performativos. Luz Prado (Málaga, 1985). Es músicao. Estudia en el conservatorio y, de forma paralela, experimenta otras formas de abordar tanto el sonido como su concepto escénico.
Ambas han colaborado previamente en el concierto para violín expandido Ellen/Laurie/Pauline junto con Elsa Paricio y en la pieza escénica The Mountain de Nilo Gallego junto con Vito Gil Delgado.
SO FAR
SO FAR investiga la creación de un universo (escénico) regido por reglas contingentes que ignoran las leyes físicas terrestres. El motor principal de ese lugar especulativo y ficticio es el sonido como generador de relaciones afectivas y cinéticas. Un universo sintiente y empático cuya hiperconexión se produce de manera acústica. Un todo que escucha y dialoga a partir de ritmos, ondas y beats. El sonido actúa de maneras inauditas.
En esta fase centrada en la creación de experimentos sonoros, colaboran la música Luz Prado y la artista visual y escénica Silvia Zayas.
SO FAR funciona como proyecto autónomo, también pertenece a una investigación mayor de Silvia Zayas sobre la capacidad de lo no-lingüístico y del sonido de afectar a la materia.
5. José Ramón Hernández y Osikán - Vivero Escénico Experimental, con el proyecto El vuelo del hipotálamo
Osikán es un vivero escénico experimental, un espacio de investigación y creación en el que artistas y especialistas indagan en temas críticos de nuestras sociedades contemporáneas y piensan la creación como espacio de crítica y de reparación de las heridas sociales. El origen y la trayectoria más visible de Osikán se sitúa en Cuba. En la actualidad, este contexto se expande a un tejido de alianzas con las diásporas cubanas en el mundo y con otras redes y circuitos.
EL VUELO DEL HIPOTÁLAMO
El vuelo del hipotálamo es el regreso al grito de un adolescente o joven emigrante, el tejido de su voz con otras experiencias, cuerpos, especies, rutas, rabias y cantos. Una pieza que entrecruza la experiencia de adolescentes y jóvenes inmigrantes con una situación irregular en España con los cantos de las aves migratorias. Un laboratorio de imaginación de ficciones reparadoras, de ficciones colectivas, de ficciones que adolecen. Una pieza que habla de la escucha y de la reparación. ¿Cómo deconstruir los estereotipos de los cuerpos migrantes y reconstruir y proyectar sus obsesiones, la memoria y los conocimientos que traen de sus países de origen y de sus lenguas maternas? ¿Cómo aprender de ellxs y con ellxs?
En El vuelo del hipotálamo los cuerpos de los adolescentes y jóvenes migrantes en situación irregular son “vidas que importan”.
6. Ça Marche, con el proyecto Lo viejo y lo nuevo
Ça marche es una compañía de artes escénicas que investiga alrededor del trabajo sobre el performer amateur, la recreación de mundos escénicos y la narración visual. En nuestras piezas se entrecruzan la relación entre artesanía y técnica, los ready-mades o el paso de la infancia a la edad adulta. Hemos creado La trilogía del hijo (Ça va, Ta gueule, Silence) [2016-2019], La cueva duerme (Con esa roca encima) [junto a Antes Collado, 2018], la web From Story to tale [2020] y la video instalación Los figurantes [2020].
LO VIEJO Y LO NUEVO
Los inútiles: Lo viejo y lo nuevo es una pieza para público adulto que sigue la investigación formal y narrativa que llevamos a cabo desde el inicio de nuestra Trilogía del hijo hace cuatro años. Es la primera propuesta de la serie de piezas Los inútiles que plantearemos en los siguientes años, centradas en la visión de la figura de lo “inútil” a lo largo de la historia.
En Lo viejo y lo nuevo trabajaremos a partir de la novela El castillo de Franz Kafka, planteando una situación muy concreta como punto de partida: en escena, cuatro niñas y niños nos explicaran [al público asistente] cuentos ininterrumpidamente. Además, aprovecharemos la elocuencia de El castillo como pretexto y la narraremos libremente a través de corporalidades cotidianas.
El proyecto cuenta con el apoyo de Festival TNT, Centro Conde Duque Madrid, Estruch Fábrica de creación, Festival Escena Poblenou, Centro Cívico Can Felipa-Felipa (Lab), Centro Cívico Barceloneta y Graner Centro de creación de danza y artes vivas (#FF90).